中国画意境：从生活与诗中提炼，抒发画家心灵情感

中国画讲究意境，意境是指画中的境界，即诗中有画境，画中有诗意的境界。这种境界是通过画家对生活有深切的感受，被对象深深感动而得到的。画家富有感染力、富有含蓄的意境是最能感动人的特点。意境不仅要从生活中提炼而来，还要从诗中体悟而来。要含蓄的意境要能产生联想。

意境要能从生活中提炼而来，从诗中体悟而来。要追求高雅的意境，不仅要有丰富的内涵，还要有内涵深度。意境是画家情感表达的境界，它必须从生活中提炼而来中国画意境：从生活与诗中提炼，抒发画家心灵情感，通过抒发情感来表达画家对事物的真挚理解。意境是画家心灵的抒发，通过画家对自然和事物的深刻感悟，创造出具有情感表达的独特作品。

首先，中国画有特定的材料和工具。中国画特点中国画所用的笔墨纸砚，经过一代又一代劳动人民和文人、诗人的努力，得到了提炼和融合。它们可以和谐完美地使用。要完成一幅中国画，不仅需要各种柔软有力的毛笔、高光泽度、特制的墨、各种各样的软宣纸、丰富而持久的矿物质。因此，中国画的材料和工具使用范围广，传播程度高，具有民族特色和强大的生命力。

中国的笔墨技法是一丝不苟的，中国画的笔墨是分不开的。笔画丰富，需要多年练习。丰富的笔墨技法追求绘画形式的不断创新和个性化表达。例如：渲染整体深度的颜色统一染色;局部重新覆盖覆盖染料的颜色;局部提亮、小面积加深的提染;浅色物体烘烤;处理背景和小物体的点染。笔墨作为中国画的一种艺术表现手法，它优化了局部细节，使整体更加完整和艺术化。

笔墨作为中国画的“基石”，中国画特点体现了中国画对每一笔、每一笔细节的重要性。无论是毛笔的软硬，速度和重量的变化，还是对墨的干、湿、厚、轻、重、焦、干、湿的追求。它们都体现了一幅好的中国画。每一笔、每一笔、每一行、每一笔墨迹，在整体和局部都注重绘画技巧。

纵观汉语发展史，唐、宋、元、明、清道家思想、宋明理学得到了发展，老庄的天人合一哲学已成为社会主流。这种思想也影响了中国画的发展。这幅画所寄托的是回归自然、回归自然的精神，这在中国绘画中已发展成一片空白。这些丰富的哲学内涵使中国画不仅局限于绘画，而且表达了自己的哲学追求和自我境界，从客观描写到精神境界和高雅大气。开放而神秘的意境不受光影的限制，而是线性化、简化化，使人在意境中有着丰富的联想与游离。

中国画人物画可分为古代人物画和现代人物画。古代人物画主要由历代英雄或对社会有突出贡献的人物组成，而现代人物画则倾向于从生活中画出各种各样的人物。在人物画的过程中，我们提倡“以形传神”。我们既要了解和研究人体的结构、比例、运动规律和方式，又要继承传统。画图时的主要表现方法有：画线、填勾、泼墨、染色。阎立本、吴道子等是古代著名的人物画家。

花鸟画的主要对象是花鸟鱼虫、蔬菜、水果、草、鸟等。中国画有哪几大画科工笔花鸟画更写实地描述对象，写意花鸟画是对对象的一般性刻画，而兼职写实是介于写实与写意之间的一种绘画风格。著名的花鸟画大师是齐白石、关山岳。

中国画有哪几大画科中国画中的山水画又称山水画，主要表现自然风光。山水画由山、水、石、树、屋、楼、台、船、桥、风、雨、阴、青、雪、日、云、雾、四季等组成中国画意境：从生活与诗中提炼，抒发画家心灵情感，按作画方法大致可分为绿景和写意山水。

在画面表现上注重细节，线条表现自然，侧重于真与实，偏向于写实风格的画风。在古代青绿山水画更加深受人们的追捧，在古代的地位也是很高的。在画面表现上更加注重画面整体的意境，遵从的是把内心想表达的含义通过画面表现出来，很少会注意很细节的东西。

工笔的特点是工整细致，文风细腻。绘中国画的表现形式画方法有工笔画和写意画两种。它注重“以精神求形，以线立形，以形表意”。工笔画通常以中心勾勒出细密而均匀的线条，通过设粉、衬料、染色等手段达到“巧密细”的艺术效果。

中国画的表现形式线描有单钩和双钩两种，用线来表达形象。通过流畅自然的线条，厚重的质感和浓淡的微妙变化，以及现实与密度的巧妙对比，达到简洁简洁、清晰概括和艺术感的巧妙效果。

中国画的笔墨是分不开的。写作技巧丰富，需要多年练习。丰富的笔墨技法追求绘画形式的不断创新和个性化表达。例如：渲染整体深度的颜色统一染色;局部重新覆盖覆盖染料的颜色;局部提亮、小面积加深的提染;浅色物体烘烤;处理背景和小物体的点染。

笔墨作为中国画的表现形式中国画的一种艺术表现手法，它优化了局部细节，使整体更加完整和艺术化。笔墨作为中国画的“基石”，体现了中国画对每一笔、每一笔细节的重要性。无论是毛笔的软硬，速度和重量的变化，还是对墨的干、湿、厚、轻、重、焦、干、湿的追求。它们都体现了一幅好的中国画。每一笔、每一笔、每一行、每一笔墨迹道家思想对中国建筑的影响，在整体和局部都注重绘画技巧。更多国画的知识请点击下方链接进行免费下载，后期会有更多专业知识进行更新哦。

中国画有其独特的思想内涵表达方式，如：减少复杂性、留白等。画家可以把他们丰富的思想和感情注入他们的笔墨中。大胆地用意境的形式书写，如白眼飞鱼、淡雅纤细的李子、兰花、竹子、菊花、花木等，可以表达我们的崇高和无为。通过淡漠的笔墨，山水画被赋予了不同的思想内涵，如：山水画表现时代现实，竹画表现骄傲自豪，梅画表现傲骨不屈，牡丹画展现出强大的生命力等等。

中国画技法注重线条的运用，而油画并不特别注重线条。中国画的线条多被画家用来表达意象与物体之间的境界。例如，在中国画中，画一条曲线柔和的线来表示一个人的身体曲线，即身体和背景之间的边界。另一个例子是，尺子形状的线代表一个人的鼻子，这也是鼻子和脸的边界。如山水、花草等特殊线条的“肌理”，这些都是后世文人诗人留下的技艺。

油画不是这样。油画中的物体之间没有界线。因此，油画是非常具体的。这是一幅写实画。所描绘的对象存在于现实生活中。中国画不像实物，而是有特点的。这些中国画的线条自由地泼洒着，飞扬着，透露着胸怀和抱负。后来，它被西方画家模仿，成为“后印象派”。

透视法是在二维画纸上画出三维物体。中国画不注重透视，油画和国画区别油画则注重透视。因为油画渴望再现真实的物体，如油画中的建筑物、水果、家具、器皿等物品，身体与实物是一样的。现场的距离和铁路的长度都非常精确。中国画不喜欢画具有明显立体相位的立体结构物体。并乐于写连绵不断的云、水、山、树、瀑布等自然风光的东西。即使庭院很深，它也更注重形象的表达，而不是现实主义。中国画不受透视的限制。这就像画家在空中飞来飞去，穿过重叠的山川道家思想对中国建筑的影响，或站在高山之巅所能看到的。

中国人物画不讲解剖学，油画和国画区别而西方油画非常重视解剖学。西方绘画就像在做一些事情来解决问题，每个部分都被理解为一个单独的部分。观察肌肉穿入与结构的关系。例如，主要的骨点是额骨、鼻骨中点、上颌骨、下颌骨、颧骨。掌握头部结构和比例，观察不同的人体角度。人体似乎是一个简化的真实的人，而人体结构是真实的。中国画不求形似，而求神似。希望通过画笔来拓展人物的情绪和性格特征，比如让男人变得坚强有力。女人更娇艳。充分展现他的个性。所以我们用象征主义代替现实主义。

中国画不重背景，油画重背景。中国画讲究留白，如写梅花，高高在上，四周空旷，一石，下有天。油画的绘画对象必须有背景，如水果，其背景是桌子和背景布。背景是当时的环境。因此，画面是完全填充的，注意光、影、色的结合，饱和度高，没有空白。油画更注重写实，中国画更注重生动。因此，中国画需要减少复杂性，突出主题。

中国山水画与一般意义上的西洋风景画在表现的内容上有相通的方面，例如，都把自然风光作为重要的表现内容，但风景画的主要对象是第二自然，如乡村与城市风光;而山水画则以第一自然，即自然生成的山山水水为主体。中国山水画与西洋风景画在审美追求对待自然的态度以及技法特点方面存在着更大的差异。这就构成了中国山水画所独有的特点，主要可归纳为三个方面：意境的追求、独特的观察方法、笔墨技法体系。

中国山水画重意境，早在南北朝时期，宗炳在所著的《山水画序》中就提出了“畅神’说。畅神是画家的精神情感借山水予以抒发之意。山水画的意境，是作品通过时空景象的描绘，在情与景高度融汇后所体现出来的艺术境界，由此而达到畅神。唐代美术史家张彦远提出了“立意”，五代山水画家荆浩提出了“真景”说，宋代画家郭熙提出了山水画创作中“重意”问题，认为创作应当“意造”，鉴赏应当“以意穷之”。宋元文人画的兴起和发展，倡导诗画一体的艺术主张，倪瓒提出“逸气”说，使传统绘画从侧重客观物象的描摹转向注重主观精神的表现。以情构境、托物言志的创作倾向促进了意境理论和实践的发展。

意境理论的发展，使中国山水画创作在审美意识上具有了双层结构:一是客观景象的艺术再现，一是主观精神的表现，而二者的有机联系则构成了中国山水画的意境美。这个“意境”，既不是客观景象的简单描摹，也不是主观意念的随意拼合，而是主客观世界的统一，是画家通过“外师造化，中得心源”，在自然美、生活美和艺术美三方面高度和谐的体现。正是这一特征，使中国山水画与一般意义上的风景画有着本质上的差异。

中国画所主张的观察方法与西画的观察方法有着很大的差别。西画中不管是人物、静物还是风景创作，强调表现瞬间时空中的景象。其观察方法也在于把握特定时空中的景物特征，不论是整体观察还是局部深入观察研究，都要求是定点的。在画面上则力求再现这一特定空间的景象，所以产生了与之相适应的透视理论、光色理论等。中国画的观察方法最主要的特征是“边走边看”，在看的过程中不断揣摩、构思，迁想妙得，方可形成构图。

清代画家石涛提出“搜尽奇峰打草稿”，不仅体现了他强调深入大自然观察、体验的重要，同时也渗透了边走边看的观念。“搜尽奇峰”是个过程，只有通过反复观察，方可进入创作的阶段，这是宏观上的主张。具体到一山一水、一树一石，也要进行动态的观察，边走边看，记录最触动心灵的景致，而后构图时，可以把不同时间、不同地点(或不同角度)的景物构筑在一起，创造出最能表现自己感受的画面。在这里，画家面对的不仅是一个三维的空间，而是一个包含时间在内的四维空间。或者说，中国画构图打破了时间的限制，可以把不同的空间景象和不同时间存在的景象有机地组合在一个画面中，而毫无拼凑之感。

“遗貌取神”是中国画创作中对待丰富、繁杂的生活景象进行大胆取舍，提炼的精神。清代画家李方膺曾有“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”的题梅诗句。是说满树的梅花，在画家心目中最动人的却也就只有几枝。对待自然山水，尤其如此。中国山水画的取景，不提倡用取景框去套取某一具体空间，而是强调进行大胆取舍，选取最能体现个人精神情感的景物入画。这种取舍，是依赖于运动的观察方法才有可能达到的。

中国山水画的观察方法中，还注重形象记忆能力的训练，对待大自然，强调“目识心记”。黄宾虹说:“写生只得山川之骨，欲得山川之气，还得闭目沉思，非领略其精神不可。只有把万千丘壑装入胸中，才有可能在“闭目沉思”中领略其精神，也才有可能出现吴道子在大同殿画千里嘉陵江“一日而就”的传说。

中国山水画独特的观察方法和对“意”的追求，使山水画的画面构成具有超时空的极大自由度，不论是传统构图理论中“三远”(高远、深远、平远)的空间处理，还是现代提出的所谓“散点透视”法，都是把不同时间、不同地点(不同角度)观察到的景象有机地组合在一个画面中，由此，才产生了像《溪山行旅图》《青卞隐居图》《庐山高图》等把层层大山组合在一起的雄伟构筑，也才有可能把“千里江山”“长江万里”描绘在一个画卷中。

翟登绪，山东淄博人，字青云，号和为斋主人，当代著名画家、书法家。毕业于山东轻工美术学院，进修于中央美术学院。现为中国民族书画研究院研究员、河北省廊坊市香河美协副主席、北京市东城区美协会员、中国社会艺术协会理事、上海画院特聘画家、世界艺术研究会中国委员会会员、世界华人艺术家联合会山东分会副秘书长、中国文化经济国际交流协会副主任。

翟登绪先生其人志趣高远、性情敦厚，于诗文、书法、绘画方面皆有才能，擅画花乌及山水，亦画人物。早有才名，常以“文人画派〞自居，不断推陈出新、突破和完善自己的创作手法。终于形成自己形神兼备、酒脱生动、清逸淡雅的绘画风格。其画艺上追八大山人，扬州八怪趣味，远师徐渭、朱耷、石涛等人，近受吴昌硕影响，寻张大千、唐云、李苦禅、潘天寿笔墨意境，多取材于山水，尤其黄宾虹浓墨山水、花乌等，落款多自作诗词，借以抒发有志难酬又不甘沉沉沦的“性灵”。

翟登绪先生中年后尤爱画荷，笔下荷花清奇不凡、逸世出尘，将“气韵生动”，表达得酣畅淋漓。正如周敦颐《爱莲说》中所写“出淤泥而不染，濯清涟而不妖。”借画抒情，翟登绪先生将自己的处世态度融入画中，创作出自理不息，清丽其外，坚贞其中，多有禅意、祥音，不做媚世之态的“画中君子”形象。

翟登绪先生在书法上从钟繇、颜真卿入手，行书师承二王，情追怀素，长于行草。作品气势恢宏、磅補大气。是当代少有的诗、书、面并行的艺术家。

翟登绪先生2006年在第三届海峡两岸书画大展中获银奖，“橘子州杯”、“井冈山杯”的全国书画大展中获银奖。

翟登绪先生2007年在文化部组织中国当代艺术成就展中获金奖，在中国第四国新间人物表彰大会中被评为“中国书面家百佳新闻人物”。

翟登绪先生2007年在第八届中国世纪大采风中，其绘画作品《舞东风》获金奖。

翟登绪先生在影响中国改革开放30年书画大展中，作品《风竹》获金奖，并在北京中铁大厦为纪念改革开放30年作出突出贡献的200多名先进代表现场作画，被授予改革开放30年“杰出书画家”“德艺双馨优秀艺术家”。

翟登绪先生2009年在随中国民族书画研究院赴港、澳、台参加中国书画联展活动中受到各界人士的好评。

翟登绪先生其绘画作品被党政机关、博物馆、收藏家协会收藏。新加坡、日本、韩国、香港、台湾等国家和地区友人多有收藏。

翟登绪先生在北京中国百万妇女乳腺普查工程中现场作画、献画，被授予“爱心使者”、“当代艺术家”的光荣称号，在2007年第八届“中国世纪大风采”书画大展中，其绘画作品《舞东风》获“金”奖。在影响中国改革开放30年书画大展中，《风竹》作品获金奖，并在北京中国铁道厦为“纪念改革开放30年”做出突出贡献的200多名先进代表现场作画道家思想对中国建筑的影响，被授予改革开放30年“杰出书画家”、“德艺双馨优秀艺术家”。六次在人民大会堂受到国家领导人的亲切接见、颁奖并合影留念。其绘画作品多次被省市领导及国家首长收藏。